NovoRiff presenta
Metal Semanal: del 21 al 27 de septiembre de 2026
Godflesh, Burner, Metalite, BRAT y Critical Defiance lideran una semana de extremos, relevos y giras de gran escala.
1. Versión breve
La semana cerrada entre el lunes 21 y el domingo 27 de septiembre de 2026 dejó una fotografía especialmente útil del metal contemporáneo: la veteranía industrial de Godflesh convivió con la presión híbrida del hardcore británico, el power metal sueco de producción cristalina, el deathgrind narrativo de Nueva Orleans y el thrash chileno de largo recorrido. No hubo un único centro estético. El interés estuvo, precisamente, en comprobar cómo escenas distantes emplean lenguajes reconocibles —repetición mecánica, velocidad, breakdown, melodía épica o riff cortante— para resolver problemas expresivos muy distintos.
Entre los álbumes, Decay confirma que Godflesh todavía puede convertir la economía de medios en amenaza física; No One Is Coming to Save Us sitúa a Burner en el cruce entre death metal, hardcore y atmósfera; Discovery consolida a Metalite como máquina de power metal moderno; Manslayer amplía el vocabulario extremo de BRAT con una idea narrativa cohesionada; y Rivers of Blood ratifica la vitalidad del thrash de Valparaíso. Los cuatro estrenos audiovisuales seleccionados —Prong, RAM, Crypta y Bullet for My Valentine— ofrecen, a su vez, cuatro maneras de actualizar una identidad sin disolverla.
La agenda también mira hacia delante. DragonForce anunció veintidós fechas europeas para 2027 con su nueva configuración vocal, mientras Iron Maiden completó en Los Ángeles una parada simbólica de su gira del cincuentenario junto a Megadeth y Anthrax. En noticias, la firma de Void Sector Zero por Season of Mist reúne a tres instrumentistas de primer nivel; Judas Priest resolvió una baja puntual de Ian Hill sin cancelar su concierto londinense; y Quiet Riot abrió una nueva etapa con John Torra, un relevo que se incluye por la conexión histórica del grupo con el heavy metal estadounidense, aunque su perfil siga tocando el hard rock.
La playlist final reúne doce grabaciones diferentes y recorre Estados Unidos, Reino Unido, Suecia, Finlandia, Chequia, Australia y Polonia. No se abre In Memoriam: no se ha confirmado un fallecimiento perteneciente al ámbito metal dentro del periodo exacto. El resultado es una edición mundial, contrastada y centrada en hechos fechados dentro de la semana.
3. Álbumes y EP
Godflesh — Decay
Portada oficial · Relapse Records
Decay no busca embellecer la erosión: la organiza. Justin K. Broadrick y Ben Green trabajan con los mismos materiales fundamentales que convirtieron a Godflesh en gramática —bajo saturado, guitarra cortante, programación rígida y voz reducida a presión—, pero el décimo álbum no suena a museo. Relapse explica que procede de las mismas sesiones que Purge; se percibe como una prolongación más desnuda y terminal, no como un apéndice. Las seis piezas favorecen la repetición que altera la percepción: el patrón no cambia mucho, pero su peso sí, porque cada entrada de ruido o silencio modifica el espacio. La circunstancia física de Broadrick, que grabó mientras lidiaba con una hernia y problemas de salud, aporta contexto sin convertir la escucha en biografía. Lo decisivo es que la limitación se vuelve método. Frente a la sobreproducción dominante, Godflesh conserva una mezcla seca, frontal y casi arquitectónica. Su relevancia semanal está ahí: un grupo histórico entrega material nuevo capaz de dialogar con el sludge, el noise y el metal industrial actual sin perseguirlos. Ficha oficial.
Burner — No One Is Coming to Save Us
Portada oficial · Church Road Records
El segundo largo de Burner convierte la mezcla de death metal y hardcore en una estructura dramática, no en una suma de etiquetas. La banda londinense conserva el impacto inmediato del riff sincopado y el golpe de mosh, pero abre corredores de textura donde la guitarra respira, la batería cambia de escala y la voz deja de ser un detonador. Church Road presenta once cortes articulados alrededor de ciclos de violencia, fracaso institucional y la necesidad de fabricar esperanza sin prometer rescate; de ahí que el título funcione como diagnóstico y llamada a la responsabilidad. Las colaboraciones de Matt Heafy, Josh Middleton y Anthony Lucero amplían el color sin desplazar el centro de gravedad del grupo. En producción, los graves son compactos y la percusión evita el brillo artificial: todo suena diseñado para conservar fricción. Ese equilibrio permite que el disco salte del deathcore al blackened hardcore y a pasajes post-metal sin perder dirección. La novedad importante no es que Burner toque más cosas, sino que ha aprendido a ordenar la intensidad. No One Is Coming to Save Us confirma una evolución compositiva y sitúa a la banda entre las propuestas británicas más convincentes del metal extremo híbrido. Edición oficial.
Metalite — Discovery
Cubierta del álbum · fuente discográfica
Metalite entiende el power metal como ingeniería de movimiento. Discovery sitúa melodías de gran apertura sobre una base rítmica programada con precisión, guitarras limpias y capas electrónicas que no actúan como decoración, sino como parte del pulso. La mezcla de Jacob Hansen favorece separación y pegada: la voz de Erica Ohlsson conserva claridad incluso cuando coros, sintetizadores y dobles bombos ocupan el mismo plano. El nuevo batería Erik Junttila aporta una sensación orgánica que evita que la estética futurista se vuelva completamente clínica. La escritura privilegia estribillos inmediatos, pero los arreglos introducen cambios de densidad suficientes para que el disco no dependa solo de la primera impresión. Su límite también es visible: la uniformidad sonora reduce el riesgo y puede fatigar a quien busque aspereza o grandes desvíos. Sin embargo, dentro del metal melódico contemporáneo, esa consistencia es parte del contrato. Metalite no intenta recuperar una edad dorada; trabaja con la gramática del pop electrónico, la velocidad del power europeo y una producción de alta definición. Discovery resulta eficaz porque presenta ese cruce con oficio, identidad y una ejecución que sabe cuándo detener el exceso. Información oficial.
BRAT — Manslayer
Arte oficial mostrado en la edición casete · Prosthetic Records
BRAT convierte el sobresalto en lenguaje narrativo. Manslayer contiene diecisiete cortes y avanza mediante piezas breves, ataques de grind, frenadas de hardcore y zonas de death metal más pesadas; el montaje evita que la velocidad se transforme en ruido indiferenciado. La banda de Nueva Orleans parte de una imaginería de venganza femenina y del relato criminal y rural estadounidense, pero el concepto no encierra la música: le da continuidad. Liz Selfish alterna registros ásperos con una presencia verbal muy marcada, mientras Brenner Moate, Dustin Eagan e Ian Hennessey sostienen cambios bruscos sin limar los bordes. Andy Nelson produjo y mezcló el álbum, y Brad Boatright lo masterizó; el resultado conserva suciedad en las guitarras, definición en el golpe y volumen sin aplastar por completo la dinámica. La portada de Wes Benscoter completa una identidad visual deliberadamente excesiva. Lo más valioso es que BRAT ya no necesita apoyarse en la sorpresa de su contraste estético: la composición aguanta sola. Manslayer es compacto, hostil y, a su manera, cinematográfico. Dentro de una semana con abundante metal extremo, destaca por controlar el caos y convertir cada corte en capítulo, no en simple descarga. Comunicado del sello.
Portada oficial · Dying Victims Productions / Bandcamp
Critical Defiance — Rivers of Blood
Critical Defiance reafirma que el thrash chileno no necesita presentarse como réplica periférica. Rivers of Blood, cuarto álbum del grupo de Valparaíso, concentra ocho temas en treinta y dos minutos y utiliza la velocidad como eje, pero no como destino único. Los riffs de púa cerrada y la batería de ataque frontal conviven con aperturas más oscuras, silencios tensos y cambios de tempo que dan relieve a una música voluntariamente directa. La producción de Sebastián Palominos mantiene la guitarra afilada y el bajo audible sin pulir el filo hasta volverlo genérico. La voz se instala entre el grito thrash y una agresividad más extrema, recurso que vincula la tradición ochentera con el vocabulario sudamericano posterior. El álbum también mejora en narración: los pasajes lentos no funcionan como descanso, sino como preparación para una nueva aceleración. Dying Victims Productions acierta al presentar una obra compacta en la que la técnica está subordinada a la tensión. La identidad local no se reduce al origen: aparece en el tono urgente, en el interés por la violencia histórica y en una manera menos festiva de entender el género. Es un disco riguroso, veloz y con ambición estructural. Escucha y ficha oficial.
4. Singles y vídeos — cuatro estrenos
Prong — “Fear the Sun”
Prong abre una nueva etapa volviendo a su herramienta más fiable: el riff que parece sencillo hasta que la acentuación lo desplaza. “Fear the Sun” funciona como adelanto del álbum homónimo previsto para el 6 de noviembre por Napalm Records y actualiza, según Tommy Victor, los principios de Beg to Differ sin reproducir su sonido. La guitarra ocupa el centro con una figura seca y repetitiva; bajo y batería no la acompañan de manera pasiva, sino que tensan sus huecos. La voz de Victor evita el exceso melódico y refuerza el carácter de consigna. El vídeo estático concentra la atención en esa mecánica y permite que la producción —compacta, grave, con un borde industrial controlado— haga el trabajo visual. Lo interesante es la ausencia de nostalgia ornamental. Prong reconoce su linaje crossover y groove, pero adapta la compresión y el peso a una escucha contemporánea. El estribillo no intenta ser grandilocuente: se instala por insistencia. Como single de apertura de ciclo, cumple dos funciones difíciles de conciliar: identifica a la banda en segundos y sugiere que el próximo disco no dependerá únicamente de fórmulas heredadas. Fuente oficial.
RAM — “Abattoir”
“Abattoir” devuelve a RAM después de casi siete años sin álbum de estudio y evita cualquier estrategia de reinvención aparente. El quinteto sueco apuesta por guitarras gemelas, bajo con presencia, batería acelerada y la voz aguda de Oscar Carlquist, elementos clásicos que funcionan porque la ejecución mantiene tensión y porque el arreglo administra bien sus cambios. El tema adelanta Against, previsto para el 9 de octubre a través de Metal Blade, y presenta una formación con Harry Granroth y Martin Jonsson a las guitarras, Tobias Petterson al bajo y Morgan Pettersson a la batería. Su riff principal combina impulso de speed metal con una oscuridad más cercana al heavy europeo anterior al brillo del power. El vídeo refuerza la idea de peligro físico sin distraer de la interpretación. La producción conserva suficiente rugosidad para que los agudos no resulten estériles y permite que el bajo actúe como anclaje. RAM no intenta demostrar modernidad mediante capas electrónicas o breakdowns: su apuesta contemporánea consiste en escribir una canción tradicional con precisión actual. “Abattoir” importa porque convierte el regreso en afirmación de oficio y no en ejercicio de archivo. Comunicado discográfico.
Crypta — “A Portrait of Decay”
Crypta presenta su primera grabación con la guitarrista Victoria Villarreal mediante una pieza que trata la disociación como deterioro interno. “A Portrait of Decay” se registró en Bélgica en junio y fue mezclada y masterizada por Yarne Heylen en Project Zero; esa cadena de producción favorece una batería definida, guitarras gruesas y una voz que se mantiene inteligible dentro del ataque. Fernanda Lira, Luana Dametto, Tainá Bergamaschi y Villarreal no convierten el relevo de formación en ruptura. El single preserva el death metal directo del grupo, pero añade un trabajo melódico de guitarras más elaborado y transiciones que evitan la sucesión plana de riffs. El vídeo traduce la letra a una imaginería de identidad fragmentada, mientras el arte de Marcos Miller prolonga esa degradación visual. La clave crítica está en el equilibrio: la canción tiene una superficie inmediata —doble bombo, voz grave, fraseos cortantes— y un segundo nivel de tensión armónica que invita a repetirla. Para una banda sometida a atención internacional, este estreno debía afirmar continuidad y novedad a la vez. Lo consigue sin teatralizar el cambio: la nueva integrante entra en una composición ya plenamente reconocible como Crypta. Información contrastada.
Bullet for My Valentine — “Social Apocalypse”
Cuatro años después de su anterior material nuevo, Bullet for My Valentine reaparece con una canción que separa mejor sus dos impulsos históricos: la estrofa de ataque y el estribillo melódico. “Social Apocalypse” adelanta el octavo álbum del grupo, previsto para el 19 de marzo de 2027 por Spinefarm, y fue producido por Carl Bown. La guitarra abre con un dibujo rítmico de metalcore clásico, pero el arreglo introduce espacio antes del coro para que la melodía no parezca pegada sobre la fuerza. Matthew Tuck canta y grita con una claridad que recuerda por qué la banda convirtió esa alternancia en marca masiva; Michael Paget aporta líneas de guitarra que decoran sin competir con el motivo principal. El vídeo de Chris Wade exagera la saturación informativa y el espectáculo de la caída social, una lectura explícita pero coherente con el título. La mezcla es grande y pulida, quizá demasiado para quien busque fricción, aunque la batería conserva pegada y las guitarras no desaparecen bajo la voz. Como regreso, el single no reclama una ruptura: refina la fórmula y recupera urgencia. Su eficacia depende menos de la sorpresa que de una escritura bien calibrada para escenario y repetición. Datos del estreno.
5. Giras y festivales
DragonForce llevará su nueva era a 22 ciudades europeas
Imagen oficial del anuncio · DragonForce
DragonForce anunció una gira europea de veintidós fechas que arrancará el 9 de abril de 2027 en el Bataclan de París y terminará el 8 de mayo en Manchester Academy. Visions of Atlantis y Wings of Steel actuarán como invitados especiales, una combinación coherente: el primero amplía el componente sinfónico y el segundo refuerza la conexión con el heavy clásico. El recorrido pasa por Francia, Alemania, Países Bajos, Luxemburgo, Bélgica, Dinamarca, Suecia, Finlandia, Polonia, Chequia, Hungría, Austria, Suiza y Reino Unido. Será la presentación continental del décimo álbum y de la nueva configuración vocal con Alissa White-Gluz y Alessio Garavello, mientras Marc Hudson se aparta temporalmente por problemas de tinnitus y mantiene funciones de gestión. Herman Li promete combinar material nuevo con una celebración de Inhuman Rampage, cuyo vigésimo aniversario ya articula la gira norteamericana de otoño. Las preventas locales comienzan el 28 de septiembre y la venta general el 30. Más que una sucesión de salas, el itinerario prueba la ambición logística de una etapa que necesita consolidarse en directo. Fechas y entradas oficiales.
Iron Maiden celebra su 25.º concierto en Los Ángeles
Cartel de la gira · fuente oficial de recinto
La parada de Run For Your Lives en el BMO Stadium tuvo un peso que excede la capacidad del recinto: fue la vigesimoquinta actuación de Iron Maiden en Los Ángeles, dentro de la gira que celebra cincuenta años de historia. El concepto del repertorio se concentra en los nueve primeros álbumes, decisión que ordena la nostalgia y la convierte en relato en lugar de catálogo aleatorio. Megadeth acompañó todas las fechas principales de la manga norteamericana y Anthrax se sumó a los grandes estadios, de modo que el cartel de Los Ángeles reunió tres líneas decisivas del heavy y el thrash. La producción está diseñada para exteriores, con escala visual, cambios de Eddie y oscuridad suficiente para que la iluminación forme parte real del espectáculo. La banda también ha insistido en reducir el uso de teléfonos, una petición discutible en el tono, pero comprensible como intento de preservar la atención colectiva. Este concierto entra en la semana no por anunciar una ruta futura, sino por concretar una gira histórica en una ciudad central para la trayectoria estadounidense del grupo. La siguiente gran parada será el Alamodome de San Antonio el 29 de septiembre. Información oficial de la gira.
6. Noticias
Void Sector Zero firma con Season of Mist
Avance oficial · Season of Mist
Season of Mist incorporó a Void Sector Zero, un trío formado por el guitarrista Christian Muenzner, el bajista y vocalista Alex Weber y el batería Gabe Seeber. Los currículos —Necrophagist, Obscura, Alkaloid, Revocation, Malignancy, Decrepit Birth, Abigail Williams o Carach Angren— explican la atención inicial, pero la noticia interesa por el enfoque declarado. Muenzner quiere recuperar la tradición del tech-thrash de Coroner, Voivod, Toxik, Martyr, Hexenhaus y Aspid y aplicarle recursos adquiridos en el death metal técnico. Eso sugiere composición angular, ritmo cambiante y virtuosismo subordinado a riffs identificables, un terreno menos saturado que la exhibición técnica pura. El sello acompañó el anuncio con un breve avance del próximo single y confirmó que el debut se comunicará pronto, sin fijar todavía fecha. La elección de Weber y Seeber responde, según Muenzner, tanto a su nivel instrumental como a una química previa compartida en Obscura. Ese dato es relevante: los supergrupos de técnica extrema suelen fracasar cuando la suma de nombres sustituye a una voz colectiva. Aquí hay al menos una historia de trabajo común y un marco estilístico preciso. El fichaje abre una de las líneas de futuro más prometedoras de la semana. Anuncio oficial.
Judas Priest mantiene su concierto londinense pese a la baja de Ian Hill
Cartel del concierto · archivo acreditado
Judas Priest confirmó pocas horas antes de su actuación en el Eventim Apollo de Hammersmith que Ian Hill no podría tocar por una lesión grave en un tendón del brazo izquierdo. Dave Rimmer, bajista de Uriah Heep, asumió el puesto para que el concierto siguiera adelante. La resolución fue práctica, pero el hecho tiene carga histórica: Hill es miembro fundador y la única presencia continua en todas las etapas discográficas del grupo. Sustituirlo no significa únicamente aprender líneas de bajo; implica sostener la arquitectura rítmica de un repertorio que depende de su sobriedad, especialmente cuando las guitarras ocupan el primer plano. El comunicado de la banda pidió comprensión y trasladó el agradecimiento del músico, sin ofrecer un plazo de recuperación. Editorialmente conviene no convertir una lesión en especulación: durante la semana solo quedó confirmada su ausencia en Londres y la participación de Rimmer en esa fecha. El episodio también muestra la robustez operativa de una gira grande, capaz de activar un reemplazo de confianza sin cancelar. Para Judas Priest, que continúa defendiendo un legado de más de cinco décadas, la noticia fue excepcional precisamente porque la continuidad de Hill suele darse por sentada. Crónica y comunicado reproducido.
Quiet Riot incorpora al vocalista John Torra
Imagen de anuncio · Loudwire / material promocional
Quiet Riot cerró su búsqueda de vocalista con John Torra, cantante de veintitrés años procedente del grupo de hair metal Fire ’N Ice. La banda había abierto candidaturas en julio para su actividad de 2027 en adelante, después de la etapa de Jizzy Pearl; Torra llamó la atención con tres vídeos interpretando clásicos del repertorio y confirmó la impresión en una prueba presencial. Su primer concierto está anunciado para el 1 de octubre en Oklahoma, seguido por fechas norteamericanas y una gira sudamericana en abril de 2027. La inclusión exige una precisión de frontera: Quiet Riot se mueve históricamente entre hard rock, glam y heavy metal. Entra aquí por el peso metalero de Metal Health, por la configuración con Rudy Sarzo, Alex Grossi y Johnny Kelly, y por la relevancia del relevo en una institución del metal estadounidense de los ochenta; no se presenta como noticia de metal extremo ni como novedad sonora. La diferencia generacional puede revitalizar el directo, pero también eleva el desafío: Torra deberá dar identidad propia a canciones asociadas inseparablemente a Kevin DuBrow. El nombramiento es una apuesta de continuidad, no una garantía artística, y su verdadero examen comenzará sobre el escenario. Noticia y calendario.
8. Playlist de la semana — 12 pistas
10 novedades2 comodines7 países3 regiones11 registros
1. BRAT — “Speculum Bleed”
BRAT comprime violencia y detalle en una pieza que no confunde brevedad con simplicidad. “Speculum Bleed” entra con una ráfaga de grind y cambia pronto hacia un peso más propio del death metal, de modo que el impacto nace del contraste entre movimiento y detención. Liz Selfish utiliza la voz como textura rítmica: cada ataque marca el contorno del riff en lugar de limitarse a cubrirlo. La guitarra de Brenner Moate deja suficiente aire entre golpes para que bajo y batería sean percibidos como fuerzas separadas. El resultado mantiene el impulso del powerviolence, pero evita la mezcla indistinta que a veces convierte el género en masa plana. Dentro de Manslayer, la canción cumple una función de cuchillada concentrada y representa bien la mejora narrativa del grupo. El vídeo oficial, estrenado durante la semana, conserva esa sensación de proximidad física. En esta playlist abre la zona extrema sin fijar un único estándar: es rápida, pero también pesada; caótica en superficie, aunque construida con transiciones muy conscientes. Una demostración de que la agresión puede ser precisa sin volverse estéril.
2. All Shall Perish — “Led to Slaughter”
“Led to Slaughter” no intenta suavizar el regreso de All Shall Perish. La canción recupera la combinación que hizo influyente al grupo: riffs de death metal técnico, aceleraciones precisas y breakdowns que llegan como conclusión estructural, no como interrupción obligatoria. La voz se desplaza entre graves profundos y registros más agudos, lo que da dirección a un arreglo de alta densidad. Las guitarras evitan una exhibición continua; cuando aparece el detalle técnico, refuerza la sensación de avance y prepara el siguiente descenso rítmico. La producción moderna aumenta el tamaño del golpe, aunque conserva definición suficiente para seguir el dibujo de cada instrumento. Como novedad semanal, importa por cómo actualiza una plantilla de deathcore de los años dos mil sin disfrazarla de otra cosa. No hay giro electrónico ni intento de metal alternativo: hay una reafirmación del vocabulario extremo que el propio grupo ayudó a establecer. El título y el tono apocalíptico se corresponden con una interpretación cerrada, casi militar. Es una pista directa para medir cuánto del viejo músculo sigue operativo y cuánto puede proyectarse hacia una nueva etapa discográfica.
3. Satanic Planet — “Church Burning”
Satanic Planet trabaja la provocación como collage sonoro. “Church Burning” mezcla percusión electrónica, ruido procesado, declamación y capas de guitarra en una secuencia más cercana al ritual industrial que a la canción de metal tradicional. El pulso repetitivo produce hipnosis y permite que las pequeñas variaciones —una distorsión añadida, una voz desplazada, un cambio de textura— adquieran peso dramático. La pieza no busca virtuosismo instrumental ni un estribillo memorable; su eficacia depende de la atmósfera de amenaza y de la fricción entre medios acústicos y digitales. El vídeo intensifica esa iconografía anticlerical de forma deliberadamente frontal. Conviene separar el valor musical del gesto: la transgresión por sí sola no garantiza contenido, pero aquí existe un diseño de frecuencias y espacios que sostiene la escucha más allá del título. Dentro de la playlist, la grabación amplía el mapa hacia un extremo industrial y performativo que no aparece en los álbumes seleccionados. También demuestra que el metal contemporáneo puede funcionar como marco cultural incluso cuando la guitarra deja de gobernar cada segundo. Es una pieza incómoda, repetitiva y conceptualmente coherente, más interesada en erosionar que en resolver.
4. Arch Enemy — “Nemesis” (live 2026)
Una nueva toma en directo de “Nemesis” permite observar cómo Arch Enemy administra una canción convertida en ritual colectivo. El motivo de guitarra conserva la nitidez melódica que hizo del tema un emblema, mientras la base acelera sin perder la sensación marcial. La grabación de 2026 tiene valor semanal porque documenta la formación actual y la relación entre precisión de festival y participación masiva: el público completa el estribillo, pero la banda no abandona el control del tempo. La voz extrema ocupa un rango distinto al de la versión de estudio y añade una aspereza que evita la mera reproducción. Michael Amott y compañía ejecutan las armonías gemelas con una separación clara, prueba de que el metal melódico puede sonar grande sin convertir cada frecuencia en pared. Es la única revisión de repertorio de la lista y por eso funciona como contrapunto a once composiciones recientes: permite medir cómo una pieza con años de circulación se reescribe mediante presencia, mezcla y contexto. No descubre una cara desconocida del grupo, pero confirma la capacidad de una estructura sencilla y bien diseñada para sobrevivir a cambios de formación y seguir actuando como núcleo del directo.
5. Glasswaves — “SCARed”
Glasswaves aborda la confusión mental con una producción que alterna nitidez y saturación. “SCARed”, adelanto del debut while (True) previsto para el 23 de octubre por SharpTone, parte de guitarras de metal alternativo y las cruza con una lógica progresiva de capas y pequeñas desviaciones rítmicas. Noah Rich describe el tema como el instante en que pensamiento, memoria y realidad se convierten en estática; el arreglo traduce esa idea mediante voces que pasan de la contención a la apertura y fondos electrónicos que desestabilizan la armonía. La canción no abusa del cambio de compás como credencial técnica. Prefiere una forma reconocible y coloca la complejidad dentro de la textura. El visualizador oficial acompaña esa sensación de interferencia sin imponer una narración literal. En la mezcla, el bajo y el bombo dan una base muy limpia, quizá demasiado pulida para algunos oyentes, pero el contraste con la voz sostiene la emoción. Dentro de la selección semanal, “SCARed” representa una generación que entiende el metal como espacio compatible con el diseño digital y la vulnerabilidad lírica. Su mejor virtud es que la precisión no elimina por completo la inquietud.
6. LUNA KILLS — “supervillain”
LUNA KILLS utiliza el vocabulario del nü-metal sin tratarlo como disfraz retro. “supervillain” combina bajo elástico, guitarra de ataque corto, percusión de rebote y una voz que alterna desafío y melodía. Lotta Ruutiainen construye la letra alrededor de una supernova como metáfora de quienes absorben el aire de cualquier espacio hasta que su ego provoca una caída capaz de arrastrar a otros. Esa imagen encuentra equivalente musical en un arreglo que acumula presión y libera el estribillo con mayor amplitud armónica. El vídeo oficial explota color, actitud y movimiento, pero la canción resiste sin el apoyo visual porque el riff principal tiene identidad. La producción es nítida y moderna; las frecuencias graves ocupan mucho espacio sin borrar la batería. El grupo finlandés se mueve en un territorio compartido con el metal alternativo contemporáneo, aunque introduce suficiente fricción vocal para no reducirse a pop pesado. En una playlist dominada por formas extremas, “supervillain” aporta elasticidad y un sentido inmediato del gancho. Su interés no está en inventar una gramática nueva, sino en actualizar una ya reconocible con una interpretación carismática, un concepto claro y una economía de arreglo muy efectiva.
7. Abbie Falls — “Violence”
Abbie Falls titula “Violence” una pieza que entiende la palabra como diseño rítmico. El grupo checo combina guitarras afinadas abajo, silencios milimétricos y una batería que alterna doble bombo con golpes de medio tiempo. El componente nü-metalcore aparece en el rebote del riff y en el uso de texturas digitales; el deathcore se manifiesta en la profundidad vocal y en un breakdown que ocupa el desenlace sin parecer añadido por obligación. La producción prioriza el impacto físico, pero deja escuchar los cambios de acento que sostienen la canción. El vídeo oficial trabaja una imagen clínica y agresiva, coherente con una música donde cada pausa aumenta la expectativa. Estrenado el 24 de septiembre, el single llega antes de la gira europea y británica en la que Abbie Falls abrirá para The Browning y Within Destruction, con paradas en Barcelona, Madrid y Vitoria a comienzos de noviembre. Ese contexto importa: “Violence” está construida para que un público que quizá no conoce al grupo entienda su propuesta en pocos minutos. Dentro de la lista, representa la expansión centroeuropea de un lenguaje nacido fuera de la región y ya transformado por una producción industrial, un tempo más calculado y una disciplina de directo evidente.
8. Windwaker — “dna”
Windwaker convierte una crisis de identidad en canción de contraste rápido. “dna” alterna fraseo cercano al rap, voz melódica, gritos y guitarras de metalcore dentro de una producción electrónica que cambia de textura sin perder el hilo. La banda explica que el tema aborda la sensación de estar atrapado por la propia naturaleza, la presión de las expectativas, el ego y la autenticidad erosionada por la validación superficial. Musicalmente, esa disputa se oye en la oposición entre secciones comprimidas y un estribillo más abierto. El single anticipa smile, you’re on camera., tercer álbum previsto para el 23 de octubre por Fearless, y confirma que el grupo australiano piensa el género como una interfaz flexible. Hay riesgo de exceso: la abundancia de recursos podría fragmentar la canción, pero la línea vocal y el pulso grave actúan como pegamento. El vídeo oficial refuerza el tema de la identidad performativa con imágenes de exposición y máscara. En el recorrido geográfico de la playlist, Windwaker aporta la región oceánica y una escena que ha desarrollado una relación particularmente fértil entre metalcore, electrónica y pop alternativo. “dna” funciona porque hace de esa inestabilidad su argumento, no un simple escaparate de influencias.
9. DragonForce — “Hunger of the Beast”
“Hunger of the Beast” presenta la nueva configuración de DragonForce sin renunciar a ninguna de sus señales reconocibles: guitarras a velocidad de videojuego, batería de doble bombo, melodía ascendente y un estribillo construido para la respuesta inmediata. La diferencia está en el diálogo vocal entre Alissa White-Gluz y Alessio Garavello. La ferocidad de la primera y el timbre clásico del segundo permiten que la banda introduzca contraste sin frenar el impulso. El tema abre el camino al décimo álbum, homónimo y previsto para el 19 de marzo de 2027 por Napalm Records, producido por Jens Bogren y registrado entre Estados Unidos, Reino Unido, Canadá y Suecia. Herman Li y Sam Totman mantienen la exhibición técnica, pero los solos están integrados en una estructura que regresa con claridad al motivo central. El vídeo oficial subraya la fantasía heroica y la nueva alineación. Su inclusión no duplica el recurso de la sección de giras, donde se utilizó una imagen promocional, no esta grabación. Dentro de la playlist, representa el power metal en su versión más acelerada y espectacular. El relevo de Marc Hudson podía producir una fractura; el single responde con continuidad, mayor rango vocal y una energía dirigida hacia el directo.
10. Semuta — “Thoughtless/Dreamless”
Semuta necesita casi diez minutos para describir una mente que no consigue apagarse. “Thoughtless/Dreamless” comienza con atmósfera creciente, avanza por tramos de medio tiempo y abre después una sección de compases impares y voz death antes de desembocar en acordes mayores de peso sludge. Benjamin Caragol —guitarra, bajo y voz— y Ben Stoller —batería y sintetizador— evitan que la amplitud se vuelva dispersión porque cada bloque responde al anterior. La letra parte del insomnio y del deseo de quedar, al menos por unas horas, sin pensamiento ni sueño; la forma reproduce esa carrera mental, desde la quietud falsa hasta la sobrecarga. Scott Evans grabó y mezcló el álbum, mientras Brad Boatright realizó el master, combinación que conserva textura en la guitarra y profundidad en los golpes sin sacrificar claridad. El segundo largo del dúo llegará el 9 de octubre por Accident Prone Records. Esta pista cierra las diez novedades centrales de la lista con una duración y una paciencia ausentes en los cortes más inmediatos. Es metal progresivo por arquitectura, post-metal por dinámica y sludge por masa. Su recompensa aparece cuando la última expansión transforma la ansiedad acumulada en una resolución inesperadamente luminosa.
11. Sarcator — “Ain’t Fit to Live”
El primer comodín desacelera a Sarcator para revelar un costado menos obvio. “Ain’t Fit to Live” mantiene la oscuridad del blackened thrash sueco, pero adopta un paso pesado inspirado, según Mateo Tervonen, en la era de Bob Rock de Mötley Crüe y Metallica. La referencia se oye en el groove amplio y en una batería que deja respirar cada golpe; una guitarra slide introduce además un color de western gótico. La historia sigue los últimos pensamientos de un forajido antes de la horca, y el arreglo prefiere la marcha fatal a la velocidad. Esa elección convierte la canción en comodín de frontera: sigue siendo metal por peso, tono y ataque, pero incorpora hard rock oscuro y americana sin caer en una mezcla decorativa. El vídeo oficial trabaja paisaje, polvo y condena, haciendo visible una narración ya contenida en el riff. El tema pertenece a The Ones We Follow, cuarto álbum previsto para el 30 de octubre por Reigning Phoenix Music. Dentro de esta edición, Sarcator demuestra que una banda asociada a la aceleración puede ganar identidad al frenar. La tensión no desaparece; cambia de lugar y pasa del vértigo a la espera del desenlace.
12. Azarath — “Herald of the Unseen”
Azarath cierra la playlist con death/black metal polaco de ejecución quirúrgica y atmósfera sacrílega. “Herald of the Unseen” es el primer adelanto de Scorn Eternal, álbum previsto para el 20 de noviembre por Agonia Records, y ocupa paradójicamente la última posición del disco. Inferno dirige una batería de blast beats muy controlados; las guitarras de Bart y Skullripper alternan trémolo, acordes disonantes y ataques más gruesos, mientras Peter sostiene el bajo debajo de una mezcla extremadamente densa. Haldor Grunberg grabó, mezcló y masterizó el material entre Sound of Records y Studio Wieloślad, preservando definición sin restar hostilidad. El vídeo oficial utiliza imágenes del Summer Dying Loud Festival, decisión acertada porque muestra que la precisión no depende del aislamiento de estudio. Este comodín amplía el extremo underground de la selección y ofrece un contraste con la composición abierta de Semuta o el diseño electrónico de LUNA KILLS. No hay intento de accesibilidad: la canción exige entrar en su velocidad y en su lógica ritual. Aun así, pequeños acentos épicos anuncian los elementos nuevos que el sello atribuye al próximo álbum. Es un cierre sin concesiones, disciplinado y plenamente coherente con la tradición extrema polaca.
9. Menciones breves
- Noctule — Extinguish Thy Flame: segundo álbum del proyecto de Serena Cherry, diez piezas de black/melodic death metal inspiradas en Elden Ring, publicado el 25 de septiembre.
- Zealot Cult — Psalms of Filth: death metal irlandés de orientación clásica y otra muestra del volumen underground del viernes 25.
- Skumstrike — Flawless Intrigue from Hell: cruce canadiense de black, speed y punk publicado por Dying Victims Productions.
- Machine Head — Unto the Locust (15th Anniversary): reedición conmemorativa llegada el 25; se registra como reedición, no como álbum nuevo.
- Lacrimás Profundere — Lay Me Down O Silent Fear: nuevo lanzamiento de metal gótico incluido en los calendarios contrastados de la semana.
- Europe — Come This Madness: lanzamiento relevante del 25, excluido del núcleo por predominar el hard rock; queda anotado como decisión de frontera editorial.
10. Fuentes realmente consultadas
Fuentes oficiales y sellos:
- Relapse Records — Godflesh, Decay.
- Church Road Records — Burner.
- Prosthetic Records — BRAT.
- Dying Victims Productions / Bandcamp — Critical Defiance.
- DragonForce — anuncio oficial de gira.
- Season of Mist — Void Sector Zero.
- Agonia Records — Azarath.
Medios especializados y bases contrastadas:
- Loudwire — calendario de lanzamientos 2026.
- Cutting Edge Metal — lanzamientos del 25 de septiembre.
- Decibel — estreno de Semuta.
- ThePRP — Glasswaves; LUNA KILLS; Abbie Falls; Windwaker.
- Distorted Sound — Sarcator.
- Loudwire — Quiet Riot.
- Lambgoat — archivo de lanzamientos metal y hardcore.
Giras, recintos y entradas:
Consulta editorial final: 28-09-2026. Las fechas se han normalizado a Europe/Madrid. Los enlaces de YouTube corresponden a canales oficiales de artistas o sellos; se integran mediante el dominio de privacidad youtube-nocookie.com.
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